7 livres d'enseignement artistique qui vous apprennent vraiment à dessiner et à peindre

Introduction

Un bon livre d’art peut condenser des années d’essais et d’erreurs en quelques centaines de pages. Cette sélection passe en revue sept titres, dans l’ordre approximatif dont un artiste en progression aurait besoin : une encyclopédie de référence, les fondamentaux du dessin, la figure et le dessin classique, la lumière et l’ombre à l’aquarelle, la technique du paysage, et enfin la composition. Chacun mérite sa place pour ses instructions claires et ses exemples réellement utiles, loin du jargon.

The Artist’s Illustrated Encyclopedia par Phil Metzger

Phil Metzger s’est mis à l’art tardivement, seulement après avoir dépassé la quarantaine, et après avoir quitté son emploi, il s’est lancé dans l’apprentissage de tout ce qu’il pouvait sur le sujet. Le résultat est une référence de A à Z couvrant les techniques, les matériaux et la terminologie dans un langage clair et accessible.

Le livre aborde pratiquement tout : les mouvements artistiques de l’impressionnisme à l’école de l’Hudson River, la terminologie des pinceaux comme les plats, les brights, les usés bombe et les pinceaux éventail, la calligraphie, le dessin au fusain, les cercles chromatiques et la théorie des couleurs, la perspective, la gravure sous ses nombreuses variantes, l’art de l’estampe sur bois et la pratique du carnet de croquis. Les définitions s’accompagnent d’exemples visuels, ce qui rend des concepts abstraits comme la réflexion, le clair-obscur ou les harmonies en couleurs complémentaires divisées beaucoup plus faciles à saisir.

C’est l’un des livres de référence les plus utiles à garder à portée de main, et à environ 30 $, il vaut largement son prix.

Figure Drawing Atelier par Juliette Aristides

Le dessin de figure est le point de départ de nombreux artistes sérieux, et ce manuel de Juliette Aristides parcourt le processus classique, de la forme de base au rendu fini du volume. Il comprend des pages blanches destinées à croquer directement dans le livre, même si un carnet de dessin ordinaire convient tout aussi bien.

Le traitement du croquis gestuel est un point fort. L’idée est de laisser votre crayon trouver les lignes d’une figure naturellement, comme des notes de musique, sans se soucier du détail. Ce thème revient dans tous les meilleurs livres d’art : résister à l’envie de foncer dans le détail, et penser d’abord en formes, en volumes et en gestes. Le livre couvre aussi l’approche de la figure en cubes pour imaginer le corps en blocs simples, ainsi que des méthodes pour cartographier la tête, le visage, les mains et les pieds en sections exploitables. Il coûte environ 20 à 25 $.

Lessons in Classical Drawing par Juliette Aristides

Aristides enchaîne avec un examen plus détaillé du dessin classique, proposé à l’origine avec un didacticiel sur DVD. Le contenu suit un ordre logique : comment commencer, établir les relations, ajouter le contour et la valeur, la composition, l’illusion de la profondeur, et la lumière et l’ombre.

Les exemples sont choisis avec soin. Les dessins montrent comment le point focal ne reçoit le détail qu’à la fin, tandis que tout le reste reste en simple travail de ligne. On trouve des études de mains à la plume sur papier teinté, des esquisses de composition tirées du carnet de John Singer Sargent, et une démonstration très claire de la façon dont une sphère plate gagne en volume grâce aux valeurs. Les esquisses rapides apparaissent côte à côte avec les œuvres achevées, montrant tout ce que l’on peut apprendre avant de s’engager dans un travail final.

Keys to Drawing par Bert Dodson

Publié pour la première fois en 1985, ce classique demeure l’une des introductions au dessin les plus limpides. Dodson est un excellent pédagogue, et le livre couvre le processus de dessin, « l’écriture » de l’artiste, les proportions, et les illusions de lumière, de profondeur et de texture.

Quelques leçons se détachent. Il montre comment l’objet le plus simple, même un vieux téléphone, devient réaliste grâce aux formes de base et aux valeurs ajoutées. Il explique la valeur tonale avec une barre tonale, ou échelle de valeurs, et comment les contours nets, les contours doux et le plan intermédiaire se traduisent dans un dessin. Il enseigne aussi le dessin à l’œil : tendre le bras avec un crayon pour juger la taille et la distance des objets, trouver les points médians et utiliser des mesures comparatives. Chaque chapitre se termine par un exercice d’auto-critique, et le livre se trouve encore à prix assez raisonnable.

Light and Shade in Watercolor par Hazel Soan

Une fois les fondamentaux du dessin acquis, la lumière et l’ombre deviennent la prochaine frontière, et les concepts sous-jacents se transposent dans presque tous les médiums. Hazel Soan les aborde par l’aquarelle, avec un style libre et vivant qui évite délibérément le détail trop travaillé.

Le livre couvre le rendu de l’eau avec des astuces comme le pinceau sec et la gomme à masquer, la pratique de toute la gamme de valeurs du clair au foncé, et le rapport entre lumière et ombre. Un conseil résume l’esprit du livre : « Ne le rangez pas trop. La vie est dans le coup de pinceau. » Soan montre aussi des esquisses en niveaux de gris pour planifier où tomberont la lumière et l’ombre avant de peindre, ce qui fonctionne encore mieux à l’aquarelle qu’au crayon. Le relié coûte environ 29 $, et une édition de poche peut être moins chère.

The Keys to Painting Trees and Foliage édité par Rachel Rubin Wolf

Les paysages déroutent nombre d’artistes, et ce recueil, couvrant tous les médiums, rassemble des instructions pratiques sur les arbres, le feuillage et les herbes. Les sujets incluent les méthodes au crayon comme le hachurage croisé, la peinture en plein air contre la peinture en atelier, et la perspective atmosphérique pour traduire la distance en atténuant les valeurs et les couleurs de l’arrière-plan.

On trouve des démonstrations techniques astucieuses, comme déposer de la gomme à masquer, peindre par-dessus, puis la retirer pour révéler des lignes d’herbe nettes, aux côtés d’alternatives comme sculpter des coups d’herbe blancs au couteau à palette ou utiliser le pinceau sec. Le travail saisonnier est aussi traité, notamment l’ajout de neige aux arbres en laissant simplement des parties d’un croquis au crayon vierges. C’est un livre à garder sous la main et à consulter souvent, et on le trouve fréquemment d’occasion.

Mastering Composition par Ian Roberts

La composition est le concept plus profond et de plus haut niveau qui relie le tout, et Ian Roberts l’enseigne avec de solides exemples comparatifs. Il montre comment une scène dessinée d’une certaine manière échoue à semer vraie, et comment une meilleure structure, les ombres portées et les valeurs tonales transforment le même sujet.

Roberts insiste sur les masses de valeurs plutôt que sur le détail, la planification des grandes masses avant de peindre ou de croquer, l’évitement des contours accaparant l’attention, et la conduite du spectateur dans le cadre. Son livre couvre aussi les esquisses rapides et pourquoi la patience avec elles compte, ainsi qu’un système de carnet de dessin pratique construit autour d’une pratique quotidienne avec des objets simples. Ses rendus au crayon en particulier communiquent les idées très clairement. À environ 30 à 31 $, parfois disponible d’occasion, c’est un bon investissement pour les artistes de niveau intermédiaire et en progression.

Comment choisir le bon livre

Si vous voulez une référence unique pour consulter termes, matériaux et techniques, commencez par l’encyclopédie. Si vous apprenez à dessiner de zéro, Keys to Drawing de Dodson est le point d’entrée le plus accueillant, suivi des deux titres d’Aristides pour la figure et la méthode classique. Les aquarellistes et les peintres paysagistes tireront le plus de Soan et du recueil sur les arbres et le feuillage, tandis que quiconque souhaite sérieusement renforcer ses œuvres achevées devrait passer à la composition en dernier, quand les fondamentaux sont déjà en place.

Conclusion

Ces sept livres forment une progression naturelle, du vocabulaire et du dessin de base jusqu’au travail de la figure, à la lumière et l’ombre, à la technique du paysage et à la composition. Plusieurs sont publiés par North Light Books, un nom qui revient sans cesse dans l’enseignement artistique de qualité. Choisissez celui qui correspond à votre niveau actuel dans votre pratique, et laissez les autres attendre sur l’étagère le moment venu.