7 libros de instrucción artística que de verdad te enseñan a dibujar y pintar

Introducción

Un buen libro de arte puede condensar años de prueba y error en unas cuantas centenas de páginas. Esta selección recorre siete títulos aproximadamente en el orden en que los necesitaría un artista en progresión: una enciclopedia de referencia, fundamentos del dibujo, figura y dibujo clásico, luz y sombra en la acuarela, técnica de paisaje y, por último, composición. Cada uno se gana su puesto por instrucciones claras y ejemplos verdaderamente útiles, no por jerga.

The Artist’s Illustrated Encyclopedia, de Phil Metzger

Phil Metzger llegó al arte tardíamente, solo después de cumplir los 40 años, y tras dejar su trabajo se propuso aprender todo lo que pudiera sobre el tema. El resultado es una referencia de la A a la Z que cubre técnicas, materiales y terminología en un lenguaje llano y accesible.

El libro toca casi todo: movimientos artísticos desde el Impresionismo hasta la Escuela del Río Hudson, terminología de pinceles como planos, brights, lenguas de gato y abanico, caligrafía, dibujo al carboncillo, círculos cromáticos y teoría del color, perspectiva, grabado en sus múltiples variantes, arte xilográfico y práctica del cuaderno de dibujo. Las definiciones vienen con ejemplos visuales, lo que hace mucho más fáciles de asimilar conceptos abstractos como el reflejo, el claroscuro y las combinaciones de colores complementarios divididos.

Es uno de los libros de referencia más útiles para tener al alcance de la mano, y a unos 30 dólares vale bien su precio.

Figure Drawing Atelier, de Juliette Aristides

El dibujo de figuras es donde comienzan muchos artistas serios, y este manual de Juliette Aristides recorre el proceso clásico desde la forma básica hasta el acabado final de la forma. Incluye páginas en blanco pensadas para dibujar directamente en el libro, aunque un cuaderno de dibujo normal funciona igual de bien.

La cobertura del boceto gestual es un punto destacado. La idea es dejar que el lápiz encuentre las líneas de la figura de forma natural, como creando notas musicales, sin preocuparse por el detalle. Ese tema se repite en los mejores libros de arte: resistirse a lanzarse al detalle y pensar primero en formas, bloques y gestos. El libro también cubre el enfoque de la figura cúbica para imaginar el cuerpo en bloques simples, además de métodos para mapear la cabeza, el rostro, las manos y los pies en secciones manejables. Cuesta unos 20 a 25 dólares.

Lessons in Classical Drawing, de Juliette Aristides

Aristides continúa con un análisis más detallado del dibujo clásico, que originalmente se vendía junto con un DVD de tutorial. El contenido avanza en un orden sensato: cómo empezar, establecer relaciones, añadir contorno y tono, composición, la ilusión de profundidad, y luz y sombra.

Los ejemplos están escogidos con cuidado. Los dibujos muestran cómo el punto focal recibe el detalle solo al final, mientras todo lo demás permanece como simple trabajo de líneas. Hay estudios de manos a plumín sobre papel entonado, miniaturas compositivas del cuaderno de bocetos de John Singer Sargent y una demostración muy clara de cómo una esfera plana gana volumen mediante los valores. Los bocetos en miniatura aparecen junto a las obras terminadas, mostrando cuánto se puede aprender antes de comprometerse con una obra final.

Keys to Drawing, de Bert Dodson

Publicado por primera vez en 1985, este clásico sigue siendo una de las introducciones más claras al dibujo. Dodson es un comunicador excelente, y el libro cubre el proceso de dibujo, la caligrafía del artista, las proporciones y las ilusiones de luz, profundidad y textura.

Algunas lecciones destacan. Demuestra cómo el objeto más simple, incluso un teléfono antiguo, se vuelve realista mediante formas básicas y valores añadidos. Explica el valor tonal con una barra tonal, o escala de valores, y cómo los bordes duros, los bordes suaves y el plano intermedio se traducen en un dibujo. También enseña a dibujar a ojo: extender el brazo con un lápiz para juzgar el tamaño y la distancia de los objetos, encontrar puntos medios y usar mediciones comparativas. Cada capítulo termina con un ejercicio de autocrítica, y el libro todavía puede encontrarse a precio bastante asequible.

Light and Shade in Watercolor, de Hazel Soan

Una vez asentados los fundamentos del dibujo, la luz y la sombra se convierten en la siguiente frontera, y los conceptos subyacentes sirven para casi todos los medios. Hazel Soan los aborda a través de la acuarela, con un estilo suelto y vivo que evita deliberadamente el detalle recargado.

El libro cubre la representación del agua con trucos como el pincel seco y el líquido de enmascarar, la práctica de toda la gama de valores de claro a oscuro y la proporción entre luz y sombra. Un consejo resume el espíritu del libro: «No lo retuskees demasiado. La vida está en la pincelada». Soan también demuestra miniaturas en escala de grises para planificar dónde caerán la luz y la sombra antes de pintar, lo que funciona aún mejor en acuarela que a lápiz. La edición en tapa dura cuesta unos 29 dólares, y puede que una edición en rústica sea más barata.

The Keys to Painting Trees and Foliage, editado por Rachel Rubin Wolf

Los paisajes hacen tropezar a muchos artistas, y esta colección, que cubre todos los medios, reúne instrucciones prácticas sobre árboles, follaje y hierbas. Los temas incluyen métodos a lápiz como el rayado cruzado, la pintura al aire libre frente a la de estudio y la perspectiva atmosférica para transmitir distancia atenuando los valores y colores del fondo.

Hay recorridos de técnica muy ingeniosos, como aplicar líquido de enmascarar, pintar encima y retirarlo para revelar líneas nítidas de hierba, junto a alternativas como tallar trazos blancos de hierba con una espátula o usar el pincel seco. También se cubre el trabajo estacional, incluido añadir nieve a los árboles simplemente dejando partes de un boceto a lápiz en blanco. Es un libro que merece tener a mano y consultar a menudo, y suele encontrarse de segunda mano.

Mastering Composition, de Ian Roberts

La composición es el concepto más profundo y de nivel superior que lo ata todo, e Ian Roberts la enseña con potentes ejemplos lado a lado. Muestra cómo una escena dibujada de una manera no logra leerse como real, y cómo una mejor estructura, las sombras proyectadas y el valor tonal transforman el mismo tema.

Roberts enfatiza las masas de valor por encima del detalle, planificar las grandes masas antes de pintar o dibujar, evitar los bordes que distraen la atención y conducir la mirada del espectador hacia el encuadre. Su libro también cubre las miniaturas y por qué importa la paciencia con ellas, además de un sistema práctico de cuaderno de dibujo basado en la práctica diaria con objetos sencillos. Sus renderings a lápiz en particular comunican las ideas con mucha claridad. Priced alrededor de 30 a 31 dólares y a veces disponible de segunda mano, es una inversión sólida para artistas intermedios y en avance.

Cómo elegir el libro adecuado

Si quieres una sola referencia para consultar términos, materiales y técnicas, empieza por la enciclopedia. Si estás aprendiendo a dibujar desde cero, Keys to Drawing de Dodson es la puerta de entrada más amable, seguido de los dos títulos de Aristides para la figura y el método clásico. Los acuarelistas y los pintores de paisaje sacarán el mayor provecho de Soan y de la colección sobre árboles y follaje, mientras que quien se tome en serio fortalecer su obra terminada debería pasar a la composición al final, cuando los fundamentos ya estén asentados.

Conclusión

Estos siete libros forman una progresión natural desde el vocabulario y el dibujo básico hasta el trabajo de figura, la luz y la sombra, la técnica de paisaje y la composición. Varios están publicados por North Light Books, un nombre que sigue apareciendo en la instrucción artística de calidad. Elige el que coincida con donde te encuentras ahora mismo en tu práctica, y deja que los demás esperen en el estante para cuando los necesites.