7 libri di insegnamento artistico che ti insegnano davvero a disegnare e dipingere

Introduzione

Un buon libro d’arte può comprimere anni di tentativi ed errori in poche centinaia di pagine. Questa raccolta esamina sette titoli, più o meno nell’ordine in cui un artista in crescita ne avrebbe bisogno: un’enciclopedia di riferimento, le fondamenta del disegno, la figura e il disegno classico, la luce e l’ombra nell’acquerello, la tecnica del paesaggio e infine la composizione. Ognuno si guadagna il suo posto per istruzioni chiare ed esempi davvero utili, senza gergo inutile.

The Artist’s Illustrated Encyclopedia di Phil Metzger

Phil Metzger è arrivato all’arte in ritardo, solo dopo i 40 anni, e dopo aver lasciato il lavoro si è messo a imparare tutto ciò che poteva sull’argomento. Il risultato è un riferimento dalla A alla Z che copre tecniche, materiali e terminologia in un linguaggio semplice e accessibile.

Il libro tocca quasi tutto: i movimenti artistici dall’Impressionismo alla Hudson River School, la terminologia dei pennelli come flat, bright, filbert e a ventaglio, la calligrafia, il disegno al carbone, le ruote dei colori e la teoria del colore, la prospettiva, l’acquatinta nelle sue molte varianti, l’arte xilografica e la pratica del taccuino. Le definizioni sono accompagnate da esempi visivi, il che rende concetti astratti come riflessione, chiaroscuro e schemi di colori complementari divisi molto più facili da comprendere.

È tra i libri di riferimento più utili da tenere a portata di mano e, a circa 30$, vale pienamente il suo prezzo.

Figure Drawing Atelier di Juliette Aristides

Il disegno della figura è il punto di partenza per molti artisti seri, e questo manuale di Juliette Aristides accompagna il lettore attraverso il processo classico, dalla forma di base alla resa finita del volume. Include pagine bianche pensate per disegnare direttamente sul libro, anche se un taccuino normale funziona altrettanto bene.

La trattazione degli schizzi gestuali è un punto di forza. L’idea è lasciare che la matite trovi naturalmente le linee di una figura, come note musicali, senza preoccuparsi dei dettagli. È un tema che ritorna in tutti i migliori libri d’arte: resistere alla fretta dei dettagli e pensare prima in forme, blocchi e gesti. Il libro copre anche l’approccio della figura a cubo per immaginare il corpo in blocchi semplici, oltre a metodi per mappare testa, volto, mani e piedi in sezioni gestibili. Costa circa 20-25$.

Lessons in Classical Drawing di Juliette Aristides

Aristides prosegue con un’analisi più approfondita del disegno classico, originariamente distribuita insieme a un DVD tutorial. I contenuti si sviluppano in un ordine sensato: come iniziare, stabilire le relazioni, aggiungere contorno e tono, la composizione, l’illusione della profondità e luce e ombra.

Gli esempi sono scelti con cura. I disegni mostrano come il punto focale riceve i dettagli solo alla fine, mentre tutto il resto resta come semplice lavoro di linee. Ci sono studi di mani a penna su carta colorata, miniature compositive dal taccuino di John Singer Sargent e una dimostrazione chiarissima di come una sfera piatta acquista volume attraverso i valori tonali. Gli schizzi rapidi appaiono affiancati alle opere finite, mostrando quanto si può imparare prima di impegnarsi in un lavoro definitivo.

Keys to Drawing di Bert Dodson

Pubblicato per la prima volta nel 1985, questo classico resta una delle introduzioni più chiare al disegno. Dodson è un comunicatore eccellente e il libro copre il processo di disegno, la “scrittura” dell’artista, le proporzioni e le illusioni di luce, profondità e texture.

Alcune lezioni spiccano. Mostra come l’oggetto più semplice, perfino un vecchio telefono, diventa realistico attraverso forme di base e valori tonali aggiunti. Spiega il valore tonale con una barra tonale, cioè una scala di valori, e come i bordi netti, i bordi morbidi e la zona intermedia si traducono in un disegno. Insegna anche il disegno a occhio: allungare il braccio con una matite per valutare dimensioni e distanze degli oggetti, individuare i punti medi e usare misure comparative. Ogni capitolo si chiude con un esercizio di autocritica, e il libro si trova ancora a prezzo piuttosto accessibile.

Light and Shade in Watercolor di Hazel Soan

Una volta acquisite le fondamenta del disegno, luce e ombra diventano la prossima frontiera, e i concetti di base valgono per quasi tutti i mezzi espressivi. Hazel Soan li affronta attraverso l’acquerello, con uno stile libero e vivace che evita deliberatamente i dettagli eccessivamente rifiniti.

Il libro copre la resa dell’acqua con trucchi come la tecnica a pennello asciutto e il liquido di mascheratura, l’esercizio sull’intera gamma di valori dal chiaro allo scuro e il rapporto tra luce e ombra. Un consiglio riassume lo spirito del libro: “Non rifinire troppo. La vita sta nel colpo di pennello.” Soan dimostra anche miniature in scala di grigi per pianificare dove cadranno luce e ombra prima di dipingere, cosa che funziona ancora meglio in acquerello che a matita. L’edizione cartonata costa circa 29$, e quella in brossura può essere più economica.

The Keys to Painting Trees and Foliage a cura di Rachel Rubin Wolf

I paesaggi mettono in difficoltà molti artisti, e questa raccolta, che copre tutti i mezzi, raccoglie istruzioni pratiche su alberi, foliage ed erbe. Gli argomenti includono tecniche a matita come il tratteggio incrociato, la pittura en plein air rispetto a quella in studio, e la prospettiva atmosferica per suggerire la distanza attenuando i valori e i colori dello sfondo.

Ci sono dimostrazioni di tecniche intelligenti, come stendere il liquido di mascheratura, dipingervi sopra e poi rimuoverlo per rivelare nitide linee d’erba, insieme ad alternative come intagliare tratti d’erba bianchi con la spatola o usare il pennello asciutto. È trattato anche il lavoro stagionale, inclusa l’aggiunta di neve agli alberi semplicemente lasciando vuote alcune parti di uno schizzo a matita. È un libro da tenere a portata di mano e consultare spesso, e si trova spesso anche usato.

Mastering Composition di Ian Roberts

La composizione è il concetto più profondo e di livello superiore che lega tutto insieme, e Ian Roberts la insegna con forti esempi affiancati. Mostra come una scena disegnata in un certo modo non riesce a sembrare reale, e come una struttura migliore, le ombre proiettate e il valore tonale trasformano lo stesso soggetto.

Roberts insiste sulle masse di valori rispetto ai dettagli, sulla pianificazione delle grandi masse prima di dipingere o disegnare, sull’evitare bordi che catturano l’attenzione e sul guidare lo spettatore dentro l’inquadratura. Il suo libro copre anche le miniature e perché la pazienza con esse sia importante, oltre a un pratico sistema di taccuino basato sulla pratica quotidiana con oggetti semplici. Le sue rese a matita in particolare comunicano le idee in modo chiarissimo. Prezzo intorno ai 30-31$, talvolta disponibile usato: un investimento solido per artisti di livello intermedio e in crescita.

Come Scegliere il Libro Giusto

Se vuoi un unico riferimento per consultare termini, materiali e tecniche, inizia con l’enciclopedia. Se stai imparando a disegnare da zero, Keys to Drawing di Dodson è il punto di ingresso più amichevole, seguito dai due titoli di Aristides per il lavoro sulla figura e il metodo classico. Gli acquerellisti e i paesaggisti trarranno il massimo da Soan e dalla raccolta su alberi e foliage, mentre chiunque sia seriamente intenzionato a rafforzare i lavori finiti dovrebbe passare alla composizione per ultimo, quando le fondamenta sono già solide.

Conclusione

Questi sette libri formano un percorso naturale, dal vocabolario e dal disegno di base al lavoro sulla figura, alla luce e all’ombra, alla tecnica del paesaggio e alla composizione. Diversi sono pubblicati da North Light Books, un nome che ricorre spesso nell’insegnamento artistico di qualità. Scegli quello che corrisponde al punto in cui ti trovi ora nella tua pratica, e lascia che gli altri attendano sullo scaffale fino a quando ti serviranno.