10 doskonałych albumów, które warto mieć: ponadczasowe płyty bez utworów do pominięcia

Wprowadzenie

Niektóre płyty zasługują na wielokrotne odsłuchy, bo jeden utwór jest nie do podważenia. Znacznie mniejsza grupa zasługuje na to, bo nie ma tu nic do pominięcia. Dziesięć albumów poniżej należy do drugiej kategorii: płyty, które trzymają się razem od pierwszej nuty do ostatniej, z tekstami, które zostają w pamięci bez zaglądania do książeczki, i na tyle przystępnymi, że nowy słuchacz może się wciągnąć podczas jednego odsłuchu, a nie powolnego rozgrzewania. Listę zamykają dwa dodatkowe typy, a oba są warte dodatkowego czasu.

Jak ocenialiśmy te albumy

Trzy kryteria ukształtowały ten wybór. Po pierwsze, brak utworów do pominięcia: album musi działać jako całość, bez wypełniaczy do przewijania. Po drugie, zapadające w pamięć teksty: słowa powinny być na tyle chwytliwe lub mocne, że zostają z tobą bez sprawdzania ich. Po trzecie, szeroka atrakcyjność: gdybyś przedstawiał komuś artystę, którego nigdy nie słyszał, czy ta płyta reprezentowałaby go najlepiej i szybko wciągnęła nowego słuchacza?

To trzecie kryterium ma większe znaczenie, niż się początkowo wydaje. Kilku artystów tutaj ma głębsze, dziwniejsze płyty, które wolą wieloletni fani, i w takich przypadkach jest to zaznaczone poniżej. Wybory na głównej liście to te, które otwierają drzwi najszerzej, a jednocześnie wytrzymują lata słuchania.

Dire Straits: Brothers in Arms

Brothers in Arms pojawił się w połowie lat 80. jako demonstracja możliwości nagrania cyfrowego. Poziom szumów był wyjątkowo niski, a klarowność i separacja od razu przemawiały za tym formatem w porównaniu z analogiem. To także album, który prowadzi cię od początku do końca. “Money for Nothing” stało się ikoniczne, wspierane chórkami Stinga i pamiętnym teledyskiem, a gra na perkusji Omara Hakima i gitara Marka Knopflera niosą warsztat muzyczny. Zamykająca część, w tym “Your Latest Trick” i “Why Worry”, wpada w nastrój, w którym łatwo zniknąć na ostatnie piętnaście czy dwadzieścia minut.

Genesis: A Trick of the Tail

A Trick of the Tail była kluczową płytą dla Genesis. Pojawiła się tuż po odejściu Petera Gabriela z zespołu, a grupa musiała udowodnić, że może kontynuować, z Philem Collinsem przejmującym rolę wokalisty. Dał tu jedne ze swoich najmocniejszych występów wokalnych i perkusyjnych do tamtego momentu. Kompozycje są gęste i progresywne, z “Dance on a Volcano”, “Entangled” i “Ripples” wśród najjaśniejszych punktów, a gitara Steve’a Hacketta jest kluczowa dla brzmienia. Rock progresywny ma węższą mainstreamową atrakcyjność niż rock czy metal, ale to jedna z najbardziej przystępnych płyt, jakie ten gatunek wydał.

Depeche Mode: Violator

Violator to płyta Depeche Mode, która na przełomie lat 90. popchnęła zespół głębiej do mainstreamu. Jest pełna energii, oparta na mocnych liniach basu i klawiszach, które pomogły wprowadzić muzykę syntezatorową do popu. Każdy utwór działa jak radiowy hit, a teksty są na tyle pamiętne, że przypominasz je sobie od początku do końca. Dla słuchacza nowego w twórczości zespołu to naturalny punkt wejścia: posłuchaj, a reszta katalogu się otworzy.

Peter Gabriel: So

So to najpopularniejszy solowy album Petera Gabriela i jego najbardziej przystępny. Każdy utwór się broni, teksty są mocne przez cały czas, a gra na basie Tony’ego Levina wyróżnia się szczególnie. Kilka piosenek ma długie drugie życie w filmach i radiu, a “In Your Eyes” pojawia się w filmie za filmem przez dziesięciolecia. To także sprytne wprowadzenie do artysty, którego inne płyty nagradzają nieco więcej cierpliwości.

Paul Simon: Graceland

Graceland to szczytowy punkt solowego katalogu Paula Simona. Twórczość ma szeroką atrakcyjność, “You Can Call Me Al” i jego teledysk stały się znakiem firmowym, a płyta jest pełna znakomitych muzyków, w tym Tony’ego Levina na basie i Steve’a Gadda na perkusji. Tym, co było wtedy naprawdę nowatorskie, było włączenie afrykańskich rytmów i wokali do mainstreamowego rocka, coś, czego niemal nikt inny w tej przestrzeni nie robił.

Billy Joel: The Stranger

The Stranger to płyta nowojorska w każdym calu, a jednocześnie najbardziej równy album w katalogu Billy’ego Joela. Nie ma tu nic do pominięcia. Teksty są pamiętne, od gwiżdżącego motywu tytułowego utworu po “Scenes from an Italian Restaurant” i “Vienna”. Równie ważne, płyta pomogła przywrócić fortepian do nowoczesnego rocka, z mocnymi partiami instrumentalnymi i wokalnymi przez cały czas.

Dla każdego, kto zna Billy’ego Joela tylko z jego największych singli, to album, który pokazuje, dlaczego uważa się go przede wszystkim za pianistę. Działa też niemal w każdych okolicznościach, czy to spokojny wieczór w domu, czy długa jazda samochodem z głośnością podkręconą do maksimum.

Steely Dan: Aja

Aja to płyta, która najlepiej pokazuje, jak Donald Fagen i Walter Becker łączyli rock z jazzem. Warsztat muzyczny jest niezwykły, oparty na muzykach takich jak Larry Carlton, Lee Ritenour, Steve Gadd i Joe Sample. Wierność nagrania to także duża część atrakcyjności: broni się na winylu i na CD, dlatego tak często pojawia się w pokazach audio i prezentacjach głośników. “Aja”, “Black Cow” i “Peg” są wszystkie niezbędne, a nic tutaj nie zachęca do pominięcia. Steely Dan to zespół muzyków, a Aja to jego szczyt.

The Beatles: Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band

Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band uchwycił zespół na nowo wymyślający się w ciągu roku czy dwóch, przechodzący od szeroko przystępnego popu do abstrakcyjnej psychodelii i pomagający wprawić w ruch rock progresywny. Gra się bez pomijania, a płyta pokazuje grę na perkusji Ringo Starra, która jest celowa, a nie efektowna: każde uderzenie służy aranżacji. Katalog był też starannie zachowany, więc płyta brzmi mocno na analogu, na cyfrze i w dźwięku przestrzennym, gdzie miksy Dolby Atmos nagradzają odpowiedni zestaw surround.

Michael Jackson: Thriller

Thriller pozostaje kamieniem milowym. Teledysk do tytułowego utworu, z narracją Vincenta Price’a, działa jak krótki film, a połączenie chwytliwego popowego pisania piosenek i mocnej perkusji uczyniło go wydarzeniem kulturalnym: pokolenie dzieci chciało tańczyć moonwalk. Teksty i motywy są pamiętne przez całą płytę. “The Girl Is Mine” z Paulem McCartneyem to jedyny utwór, który może wydawać się nieco błahy, ale to mały zastrzeżenie do tego, co arguably najlepsza praca w karierze Michaela Jacksona.

Prawdziwą siłą albumu jest jego tempo. Przechodzi od tytułowego utworu przez “Beat It” i “Billie Jean” bez utraty rozpędu, co jest dokładnie tą cechą, która oddziela wielki album od wielkiej kolekcji singli.

Pink Floyd: The Dark Side of the Moon

Tak, było grane w radiu częściej niż niemal wszystko inne, i tak, to album, który wszyscy wymieniają jako pierwszy. Wciąż zasługuje na najwyższe miejsce. Wyprodukowany przez Alana Parsonsa, The Dark Side of the Moon broni się na analogu, na cyfrze, na SACD i w dźwięku przestrzennym, i działa jako jedna ciągła historia, a nie zestaw piosenek. Trwa nieco ponad czterdzieści pięć minut, a gdy nastrój jest odpowiedni, to czterdzieści pięć minut w zupełnie innej przestrzeni słuchania.

Dodatkowy typ: Rush Moving Pictures

Moving Pictures to łatwa rekomendacja nawet dla słuchaczy, którzy nie nazwaliby się fanami Rush. Gra na perkusji i pisanie Neila Pearta są tu kluczowe, a “YYZ”, “Limelight” i “Red Barchetta” są wszystkie obecne. Jedno zastrzeżenie: wersja w dźwięku przestrzennym nie robi płycie wielu przysług, więc lepszą drogą jest odtwarzanie dwukanałowe z upmixingiem.

Dodatkowy typ: Pat Metheny Still Life (Talking)

Still Life (Talking) wykracza poza rockowe i popowe skupienie reszty tej listy i to nie ma znaczenia. Płyta przekracza gatunki: to chłodne, zrelaksowane słuchanie, które pasuje na jazdę nad morze albo popołudnie spędzone na niczym szczególnym. Pat Metheny to jeden z wielkich gitarzystów jazzowych swojej ery, perkusja Paula Wertico jest tu najjaśniejszym punktem, a bezsłowne wokale w tle dodają faktury. Nie ma tu tekstów, a mimo to rytmy i tematy są na tyle pamiętne, że zawsze wiesz, dokąd zmierza płyta.

Porady zakupowe: od czego zacząć

Jeśli jesteś nowy w twórczości większości tych artystów, zacznij od najbardziej przystępnych płyt. So, Violator i Graceland każde otwierają katalog bez wymagania wcześniejszego kontekstu. Jeśli jakość dźwięku jest najważniejsza, Brothers in Arms i Aja to dwie, których warto szukać, ponieważ obie powstały, by pokazać, co potrafi dobry system. Jeśli chcesz doświadczenia całego albumu, które nagradza siedzenie w miejscu i słuchanie od początku do końca, The Dark Side of the Moon to oczywiste miejsce na start.

Format ma znaczenie równie duże jak sama płyta. Większość tych tytułów została wydana na winylu, CD i cyfrowo, a kilka jest dostępnych w dźwięku przestrzennym, gdzie zestaw Dolby Atmos robi prawdziwą różnicę. Sprawdź, którą wersję danego tytułu kupujesz, zamiast zakładać, że każde wydanie brzmi tak samo.

Podsumowanie

Doskonały album to właściwie nie kwestia konsensusu. To kwestia tego, czy płyta trzyma cię od pierwszego do ostatniego utworu. Każdy z dziesięciu albumów powyżej robi to w inny sposób: niektóre czystym warsztatem muzycznym, niektóre pisaniem piosenek, a niektóre produkcją, która wciąż brzmi niezwykle dekady później. Zacznij od tego, który pasuje do muzyki, którą już kochasz, a potem rozszerzaj się na zewnątrz. Dwa dodatkowe typy są tam z tego samego powodu: zasługują na swoje miejsce w momencie, gdy naciskasz play.