Najlepsze miksy Dolby Atmos w dźwięku przestrzennym do streamowania: dziewięć wyróżniających się wydań

Wprowadzenie

Muzykę w Dolby Atmos można dziś łatwo włączyć w zwykłej subskrypcji streamingowej, ale jakość miksów jest bardzo różna. Niektóre wersje przestrzenne podnoszą niskie tony znacznie poza oryginalny balans, inne cofają wokal prowadzący tak daleko, że tekst przestaje mieć sens, a jeszcze inne ledwo wykorzystują kanały wysokościowe.

Ten przegląd obejmuje dziewięć wydań w dźwięku przestrzennym, które dobrze radzą sobie z podstawami: wokal pozostaje zakotwiczony w centrum, bas wspiera aranżację, a nie dominuje nad nią, a efekty są rozmieszczone wokół słuchacza w wyraźnym celu. Wybór obejmuje jazz, klasyczny rock, rock progresywny, muzykę elektroniczną i pop. Większość jest dostępna w Atmos w Apple Music, a jedna pozycja była dostępna w Tidal.

Kilka pozycji to pojedyncze utwory, a nie pełne albumy, co warto wiedzieć, zanim zaczniesz szukać. Każda sekcja poniżej wyjaśnia, co dany miks robi dobrze i co sprawdzić przed naciśnięciem play.

Co czyni dobry miks Atmos

Trzy rzeczy odróżniają przekonujący miks przestrzenny od rozczarowującego.

Pierwsza to umiejscowienie wokalu. W dobrym miksie wokal prowadzący pozostaje zakotwiczony w kanale centralnym, gdzie słuchacz spodziewa się go znaleźć. W słabym dryfuje za miejscem odsłuchu albo zostaje zagłuszony przez instrumenty, co jest dezorientujące, a nie immersyjne.

Druga to dyscyplina basu. Dźwięk przestrzenny daje realizatorom dodatkowe miejsce na informacje niskotonowe, a niektórzy wykorzystują je, by dodać znacznie więcej basu, niż zawierało oryginalne nagranie. Dobrze wyważony miks utrzymuje niskie tony zwarte i proporcjonalne do reszty.

Trzecia to intencja. Kanały wysokościowe i surround sprawdzają się najlepiej, gdy wspierają aranżację, czy to chórki, smyczki, czy efekty, które naprawdę pasują do przestrzeni. Gdy wszystkie elementy są naraz rozrzucane po pokoju, rezultat przestaje brzmieć jak muzyka, a zaczyna jak demonstracja.

Harry Connick Jr.: It Had to Be You

Harry Connick Jr. to wokalista i multiinstrumentalista, którego materiał dobrze znosi immersyjne opracowanie, a ten utwór pokazuje, dlaczego powściągliwość działa. Wokal pozostaje zakotwiczony w kanale centralnym, gdzie należy, aranżacja zachowuje naturalny balans, a nic nie jest wypychane do przodu tylko po to, by udowodnić, że format coś robi.

To ma znaczenie, bo najczęstsze problemy dźwięku przestrzennego łatwo usłyszeć, gdy już wiesz, na co słuchać: kanał centralny zbyt cichy, by śledzić śpiew, bas podniesiony znacznie poza oryginalny miks albo tekst umieszczony za słuchaczem bez muzycznego powodu. Nic takiego tu nie występuje.

To dobry punkt wejścia, jeśli dopiero zaczynasz z dźwiękiem przestrzennym i chcesz czegoś, co brzmi naturalnie, a nie efektownie. Utwór jest dostępny w Atmos, nawet jeśli otaczający go album nie jest.

Queen: Another One Bites the Dust

Starsze nagrania wielośladowe bywają w Atmos ryzykowne, ale to wypada dobrze. Bas ma prawdziwą masę, wokal prowadzący pozostaje mocny i wyśrodkowany, a po bokach i nad słuchaczem dzieje się coś naprawdę, a nie tylko poszerza się obraz stereo.

To także skuteczny utwór demonstracyjny. Jeśli chcesz komuś pokazać, co potrafi miks przestrzenny, dobrze znana piosenka z niepodrabialnym groove’em jest znacznie łatwiejsza do docenienia niż nieznany sygnał testowy.

Utwór znajduje się na rockowej playliście dźwięku przestrzennego, więc łatwo go znaleźć. Pełny album nie był tak łatwy do znalezienia w Atmos.

Porcupine Tree: Harridan

Harridan pojawił się jako pierwszy nowy materiał zespołu od około ośmiu, dziewięciu lat i jest też pierwszym utworem Porcupine Tree w Atmos. Wcześniejszy katalog zespołu w dużej mierze żył w 5.1 surround, więc to prawdziwy debiut grupy.

Miks wykorzystuje aranżację w pełni. Otwiera się niskim, natarczywym riffem basowym, potem wchodzą gitary i rozchodzą się wokół słuchacza, a nie układają przed głośnikami. Perkusja jest przez cały czas atutem, z poziomem szczegółowości, który wynagradza dobry system.

Jeśli słuchasz hard rocka i jeszcze nie próbowałeś dźwięku przestrzennego, to dobry początek, a równie dobrze sprawdzi się u każdego, kto po prostu chce usłyszeć dobrze zbudowany immersyjny miks.

The Beatles: Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band

Pełny album jest dostępny w Atmos, a rezultat jest niezwykły. Wszystko, co słyszysz, pochodzi z oryginalnych analogowych masterów, nic nie zostało nagrane od nowa, co znaczy, że dodatkowe instrumenty, faktury i efekty dźwiękowe były już na taśmie, czekając na format, który potrafi je odpowiednio przedstawić.

Efekt jest taki, że płyta nagrana pod koniec lat 60. brzmi znacznie bardziej współcześnie, niż sugeruje jej wiek. Dla wieloletnich słuchaczy to doświadczenie emocjonalne w równym stopniu co techniczne.

Jedna praktyczna uwaga: kategorie przeglądania dźwięku przestrzennego nie zawsze są niezawodne. Jeśli szukasz albumu bezpośrednio i pierwsza otwarta wersja gra w stereo, wróć i poszukaj innego wpisu tego samego albumu, który powinien zawierać miks Atmos.

Coldplay: Coloratura

Coloratura trwa blisko dziesięć minut, a otaczający ją album sprawia wrażenie napisanego z myślą o dźwięku immersyjnym, a nie dostosowanego do niego później. Rezultat to jedna z najbardziej spójnych prezentacji przestrzennych na tej liście.

Głos Chrisa Martina łatwo śledzić z kanału centralnego, bas jest dobrze wyważony, a nie rozdmuchany, a efekt immersyjny służy wsparciu aranżacji. Album najlepiej działa słuchany od początku do końca, łącznie z cichszymi utworami, które nigdy nie trafiłyby na radiową playlistę.

Jeśli masz czas tylko na jeden utwór, Coloratura jest tym, który warto włączyć. Jeśli masz wolny wieczór, cała płyta jest warta czasu.

Yello: Point

Yello to duet, z którym wielu słuchaczy po raz pierwszy zetknęło się przez film, a Point to pełny album zbudowany pod odtwarzanie immersyjne. Miks jest aktywny i pewny siebie, z efektami rozmieszczonymi wokół całego miejsca odsłuchu, a nie ograniczonymi do przodu pokoju.

Jedna rzecz do poznania przed naciśnięciem play to niskie tony. Poziomy basu są podniesione wysoko, a co najmniej jeden fragment schodzi tak głęboko, że fizycznie rezonuje przedmioty w pokoju. To ekscytujące w systemie z wydajnym subwooferem i znacznie mniej mile widziane w mieszkaniu o cienkich ścianach.

Jeśli twój zestaw radzi sobie z poważnym wyjściem niskotonowym i lubisz muzykę elektroniczną, to jeden z bardziej rozrywkowych albumów Atmos, jakie są dostępne.

Billie Eilish: No Time to Die

Ten motyw Bonda jest dostępny w Atmos i dobrze się trzyma. Bas jest głęboki i zwarty, ale nie przesadzony, a detal produkcji jest tak wysoki, że miks działa jak demonstracja możliwości dźwięku przestrzennego.

Jej studyjne albumy także warto sprawdzić pod kątem wersji przestrzennych. Słuchacze, którzy znają tę muzykę głównie z winyli, mogą uznać porównanie za uderzające, bo prezentacja Atmos dodaje poczucie przestrzeni, którego dwukanałowe tłoczenie nie odtworzy.

The Weeknd: After Hours

O popie często zakłada się, że jest nadmiernie skompresowany i słabo nadaje się do poważnego słuchania, a ten album jest dobrym kontrprzykładem. Jakość produkcji jest wysoka, wokal pozostaje dokładnie w centrum i jest wyraźnie zrozumiały, a kanały przestrzenne służą dodaniu szerokości i głębi, a nie przeniesieniu wokalisty.

To właściwe podejście. Tam, gdzie niektóre miksy przestrzenne materiału popowego podnoszą poziomy basu i zostawiają tekst brzmiący odlegle, ten utrzymuje balans od początku do końca.

Jeśli wersja, która gra jako pierwsza, brzmi płasko, sprawdź, czy otworzyłeś wersję Atmos, a nie stereo.

Steven Wilson: The Future Bites

Wyróżnienie honorowe trafia do Stevena Wilsona, którego solowa twórczość na tym albumie zwróciła się ku popowi. Na Personal Shopper pojawia się Elton John, a płyta była pierwszym dziełem Wilsona zmiksowanym w Atmos.

Jest jedna komplikacja. Wersja Atmos była dostępna w Tidal, a nie w Apple Music. Tidal działa też na zauważalnie niższym poziomie wyjściowym niż Apple Music, więc jeśli przełączysz serwisy i zapomnisz, że podgłośniłeś, zmiana może być zaskakująca. To nie jego najbardziej wymagające dzieło, ale prawdziwa przyjemność słuchać go w formacie immersyjnym.

Jak wybierać i słuchać

Kilka nawyków sprawia, że z dźwiękiem przestrzennym żyje się znacznie łatwiej.

Po pierwsze, upewnij się, że naprawdę słyszysz wersję Atmos. Aplikacje streamingowe nie zawsze pokazują miks przestrzenny jako pierwszy, a wersje stereo i Atmos tego samego albumu mogą wyglądać niemal identycznie w wynikach wyszukiwania.

Po drugie, kanały wysokościowe mają znaczenie. Zestaw z co najmniej dwoma głośnikami sufitowymi lub skierowanymi w górę dostarcza wymiar pionowy, który dał formatowi nazwę, choć słuchawki także potrafią przekazać przekonujące poczucie przestrzeni.

Po trzecie, uważaj na głośność przy przechodzeniu między serwisami, bo poziomy wyjściowe nie są dopasowane.

Wreszcie, traktuj dźwięk przestrzenny jako format, a nie gwarancję. Wiele tytułów z katalogu nie tłumaczy się dobrze, zwłaszcza nagrania, które od początku nie były szczególnie dobrze zarejestrowane. Powyższe wydania to te, które dają radę.

Podsumowanie

Dźwięk przestrzenny jest najlepszy, gdy znika w muzyce. Dziewięć wydań tutaj łączy jedna cecha: każde wykorzystuje dodatkowe kanały, by służyć piosence, a nie reklamować technologię.

Zacznij od utworu pasującego do muzyki, którą już kochasz, czy to standard jazzowy, klasyk rocka, progresywny epik, czy album popowy. Upewnij się, że odtwarzasz wersję Atmos, daj systemowi chwilę na dostosowanie, a różnica powinna być oczywista w ciągu pierwszej minuty.

Jeśli chcesz krótkiej demonstracji, wystarczy jeden utwór. Jeśli chcesz pełnego doświadczenia, odsłuch całego albumu to moment, w którym format pokazuje, co naprawdę potrafi osiągnąć.